雕塑：艺术的永恒表达，从洞穴绘画到现代杰作 (雕塑艺术的根本特点是)

雕塑是一种艺术形式，它以三维的方式塑造材料，例如石头、木头、金属或粘土。从远古洞穴中的绘画到现代博物馆的杰作，雕塑一直是人类表达创造力和情感的重要方式。

雕塑艺术的根本特点

雕塑艺术具有几个根本特点，使它与其他艺术形式区别开来：

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  三维性：
  
  雕塑是三维的，这意味着它可以从多个角度欣赏。
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  物质性：
  
  雕塑是由有形材料制成的，与绘画或摄影等其他艺术形式不同，这些艺术形式使用光和颜色等无形媒介。
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  永恒性：
  
  雕塑的耐久性使其能够经受时间的考验，从而成为历史和文化的永久见证。
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  触觉性：
  
  一些雕塑可以通过触摸来体验， مما يضيف طبقة أخرى إلى التقدير الفني.

雕塑的历史

雕塑的历史可以追溯到史前时代，当时人类创作了洞穴壁画和雕刻。在古代文明中，雕塑被用来描绘神灵、统治者和历史事件。在中世纪，雕塑主要是宗教性质的，用于装饰教堂和宗教场所。文艺复兴时期标志着雕塑的复兴，当时艺术家们重新发现古典艺术的理想和原则。巴洛克时期和新古典主义时期也产生了重要的雕塑作品。

现代雕塑

20 世纪初，雕塑发生了重大变化，艺术家们开始探索抽象形式和非传统材料。现代雕塑更具实验性，经常挑战传统概念。现代雕塑家的一些重要人物包括：

• 亨利·摩尔
• 巴勃罗·毕加索
• 阿尔伯托·贾科梅蒂
• 亚历山大·考尔德



• 理查德·塞拉

雕塑的意义

雕塑是一种强大的艺术形式，具有以下意义：

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  历史和文化的记录：
  
  雕塑提供了对过去文明和时代的迷人一瞥。
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  美学享受：
  
  雕塑的美感和形式可以带来乐趣和灵感。
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  精神和宗教表达：
  
  雕塑经常被用来表达精神和宗教信仰。
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  社会评论：
  
  雕塑可以用来对社会和政治问题发表评论，从而激发思想和对话。

结论

雕塑是一种永恒的艺术形式，可以跨越时间、文化和媒介。它拥有塑造材料、表达情感和传达思想的独特能力。从远古洞穴的绘画到现代博物馆的杰作，雕塑继续丰富和启发我们的人类体验。

什么是雕塑语言，雕塑语言的基本内容是什么？

雕塑语言的基本内容雕塑艺术的特点是什么？凡是造形艺术，它的特点都是综合性的，不只是一两个因素。

这里只说说雕塑艺术的最主要的特点，或雕塑美的特点在什么地方。

油画在平面上表现空间、立体、形象，主要用色彩打动人，特别是十九世纪的油画，那色彩简直象魔术一样。

搞造形艺术一般都有两个阶段：一开始是用线条、色彩、形体来模仿，再现客观因素，这是造形的最基本的因素；到第二阶段，这些手段已成为思想、感情的体现。

这时线条、色彩、形体，已经不仅仅是客观对象的特点，而且成了一种韵律、一种旋律，象交响乐一样给人以优雅、热情、崇高或者潇洒、沉郁等感觉。

举个例子，线条，开始是事物的轮廓，后来就成了作者自己对事物的情感的表现了，色彩也是这样。

雕塑也是这样，最简单的特点它是一个立体，一个物体占有一定空间，这是雕塑的基本概念。

但有体积，占有空间不一定是雕塑艺术，一定要使体积体现一定的思想感情才会形成雕塑艺术。

搞雕塑的人所体会所感动的是占有一定空间的体积的变化，对这种东西非常敏感。

音乐家对现实的音响要非常敏感。

画家对色彩要高度敏感。

雕塑家要对体积和形体变化有高度的敏感，要善于利用和强调体积的组合变化，要强调体积感。

罗丹说，雕塑家一切都要在空间中思考。

一张纸也有一定体积，有它的长宽高，但它没有体积感，你感觉不到它体积的力量。

要用体积来说话，就要加强体积感，要使人感觉到它的体积。

一个立方体正面对观众，你只能看到一个面，而看不到体积，要使大家产生体积感，就要选择一个角度，使大家看到三个面，就有体积的感觉了。

雕塑家要善于组织体积，使它形成某种力量，某种感觉，某种韵律；要使体积组合得有对比，而且很强烈。

他们常说，方中有圆，圆中有方，就是要使体积有变化。

到近代的立体派，将各种三角的、五棱的、圆的、扁的、方的、长的、尖的，配合一起，形成特殊的韵律。

当然从西方传统来说雕塑离不开人体的表现。

近代的雕刻家将人体归结为各种各样的、明确的、很有对比的体积加以表现。

罗丹曾对葛赛尔说过“希腊雕塑是四个面，文艺复兴的雕塑是两个面。

这个话，是一个艺术家说明雕塑家的体会时用的一个例子，不可能包括希腊和文艺复兴所有雕塑的特点。

古希腊菲迪阿斯雕的雕像是四个面，重心在一脚，另一只脚是“稍息”的状态，两个膝盖是一前一后，组成一个面；盆骨转向相反方向，又是一个面；胸部又向转回方向转动成为一个面；头侧向另一方，是第四个面。

这样，表现的是一种很稳定，很有信心，很舒展，很昂然的感觉。

动作的转折很小，很微妙、很协调，表现希腊黄金时代稳定、含蓄、很有力量、很有信心的情绪。

文艺复兴是两个面。

米开朗基罗有个雕塑叫《挣扎的奴隶》。

米开朗基罗当过卫戌司令，吃了败仗而逃走，教皇令他限期回来。

回来后，教皇命令他为自己修坟墓。

教皇是反动势力，米开朗基罗是市民阶级的代表，是革命的，他感到非常屈辱，所以，他所做的装饰性的雕像充分反映了他的反抗和愤慨情绪。

人们说他的作品体现了“巨人的悲剧”。

恩格斯对文艺复兴时期的艺术家评价非常高，把他们比作人类历史上的“巨人”，并说“给现代资产阶级统治打下基础的人物，决不受资产阶级的局限①”。

米开朗基罗就是这种“巨人”的代表之一。

他是政治活动家，能打仗，又是画家、诗人，还搞雕塑、建筑。

《奴隶》的姿势是这样的，一腿挺立，一腿上抬，形成一个大面，整个身子剧烈扭转，形成了另一个大面（表演），和希腊的四个面完全不同。

这里表现了强烈的扭曲、强烈的挣扎和强烈的对比，和四个面的那种缓慢的、有节奏的、舒展的感觉完全不同，这激烈的扭曲，完全是一种悲剧性的表达。

这两个例子可以看出，雕塑家是如何表达内容、主题的，如何观察生活的，雕塑美的特点是从什么地方表现出来的。

对希腊艺术，我们可以从阿里斯托芬的喜剧，从索福克勒斯的悲剧去体会，可以从瓶画、彩绘、红陶、黑陶去评价。

对于雕塑则要从体积的变化，面的变化，从人体体积的转折，转折的韵律来体会一种情绪、一种思想甚至去理解一个时代的精神。

这是很本质、很重要的。

这就是雕塑的语言，这才是雕塑家所观察的和所表现的世界。

一般人对雕塑的特点感觉可能不那么突出，但在艺术实践中，就是在中国，这一点也是非常讲究的。

如京剧中的将军出台亮相，先来个丁字步，然后两手平举齐胸来一个“云手”的动作，形成十分剽悍、挺拔的体积对比，丁字步从正面看是一个纵深的面，而“云手”是向横宽开展的面。

这样就形成了两种体积的对比，显出一种力量来。

在理论上虽然没有这样总结，但实际上早就注意了。

大家也都觉得这样好看一点，有变化一点，情绪表达得充分一点，这实际上是一种雕塑语言。

就是说，用体积的对比、转折、变化来形成一种韵律，表达一种特殊的感情。

这种雕塑语言，发展到一定阶段，就更加概括了。

如果说罗丹还是从人体体积的大的转折来体会的话，那么到后来，则把体积的因素孤立起来，强调到绝对的地步，把世界上的一切形体纯粹归纳为明确的几何体，长的、方的、圆的、扁的等等，雕塑家按他的主观感觉把它们组合在一起，形成他自己的情绪、情调和表达方式。

这就是塞尚以后的立体主义艺术。

英国的雕塑家亨利.摩尔把这种理论高度发展了。

他不表现具体形体，而是把大山、大块的体积、大的三角形、平行四边形组合在一起，谁也说不上来是人，还是马、是兽，但它能使人感到谐调，使人感到一种情绪。

现代派的雕塑，是纯雕塑的发展，在某种情况下，它也不见得完全不可取，也不见得完全是反动思想的表现。

有些艺术家在他对自己的艺术形式、艺术语言长期体会以后，产生了一种高度的敏感，已经不需要借助文学性、故事性的情节，这种情况搞专业的同志都有可以体会。

我国绘画发展到扬州八怪，几笔就能表现那么潇洒，那么冷漠的情绪，不象宋代画，什么是山，什么是树，描写得那么细致，而是只要那么几笔就把山和树的基本韵律表现出来 了。

雕塑也有这个情况，只要把基本韵律表现出来就行了，用不着把对象描绘得那么具体。

所以，现代派的雕塑有它合理的一面。

当然，我们的艺术是为人民的，要使大多数人看得懂，但是也不能因为照顾大多数人的欣赏水平就否定它。

这好像书法,懂得书法艺术的人不光看文字的内容, 而是看它只要几笔就能把一种情感表达出来。

不能因此就说它纯粹是形式。

这里有个欣赏角度不同的问题。

譬如现代派的建筑，直线很多，很枯燥，雕塑家就放上一个变化的三角形的体积，来把直线打破，使人感觉到这个变化，觉得非有这种体积放上去看了才舒服、才有生气。

不是说雕塑发展非得这样不可，也不是说这就是最好，但我们不能否认这也是雕塑语言的一种

罗丹是雕塑大师，罗丹雕塑艺术特点是什么？

罗丹雕塑特点：1、它吸取了古希腊雕塑弱化结构体积，形成在转移角度观看雕塑时雕塑表面光线的流动这一效果，他大胆的使用了印象派笔触一样的机理，使流动强化，生动。

并用这一手段激发和宣泄某种感情。

2、雕塑一般是静止的，在吸收巴洛克艺术动态激昂启示下，在青铜时代为代表的几件作品中他运用了从脚到头部形成一定叙事动作的变化，脚步无力逐渐舒展开来，整体看动态不太统一但是很协调，要是视线游移从下至上你能感觉到一个连贯的动作在发生。

是一个雕塑打破静态的成功的探索。

3、非常态的动态传达出来的内在思想气质，在以前的雕塑中，总是在试图通过宗教故事情节和人物来反应一个题材，人物总是在常态的状态中出现，而在罗丹的雕塑作品中亚当，夏娃等许多作品都通过一种人体的动态的扭曲甚至创造，是欣赏者直接从雕塑的形体上就感受到内在的精神和情感的宣泄。

4、关注的题材上罗丹也有很多新的探索。

正是罗丹对过去的总结和在各方面的探索，给了后人一个新的创造性的思路和方向，其后的学生以及后面的雕塑家逐渐的创造出来新的体系。

中外雕塑艺术特点

摘 要：雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。

雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。

本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。

关键词:雕塑；差异；中西方艺术中图分类号：J301 文献标识码：A文章编号：1003-9104（2007）03-0079-03如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。

雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。

雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。

像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。

雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。

人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。

雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。

雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。

在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。

尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。

一、题材差异中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。

因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。

自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。

同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。

对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。

神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。

不同的是他们长生不老、神通广大而已。

就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。

对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。

体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。

这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。

如米隆的《掷铁饼者》。

二、精神追求上的差异在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。

这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。

汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。

其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。

为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。

虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。

其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。

《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。

造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。

雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。

除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。

例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。

以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。

而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。

西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。

每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。

如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。

黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。

形象的最自由的最美的形象来欣赏。

”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。

)三、表现手法上的差异雕塑是三度空间的立体造型艺术。

雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。

作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。

中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。

北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。

因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。

那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。

唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。

除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。

由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。

装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。

不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。

正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。

“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。

”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。

而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。

这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。

古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。

而模仿是人的“一种自然的本能”。

强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。

“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。

如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。

并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。

文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。

这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。

四、造型手法的差异中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。

黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。

可见线条对画家的造型所具有的重要作用。

对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。

米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。

中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。

中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。

中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。

这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。

雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。

总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。

行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。

另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。

如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。

晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。

这与西方雕塑很少设色区别也很大。

在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。

从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。

但那种净素妍雅。

强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。

西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。

法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。

这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。

”五、材料的差异雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。

材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。

如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。

罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。

他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。

在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。

从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。

西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。

总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。

中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。